Sección áurea

Mucho menos utilizado que el anterior, para composiciones “centrales” es el principio de la sección áurea utilizado por los babilóneos, egipcios, griegos, que encontramos en la sucesión de Fibonacci y que finalmente fue hecho famoso por Da Vinci.

Este concepto se basa en el número phi (f), cuya definición es una división en dos de un segmento según proporciones dadas por el número áureo. La longitud total a+b es al segmento más largo a como el segmento a es al segmento más corto b.

Esta relación se encuentra en el cuerpo humano, en la distribución geométrica de los pétalos de las rosas, las hojas en los árboles y muchas otras formas de la naturaleza.

En fotografía y para abreviar gráficamente, se utiliza de la siguiente manera:

Donde la sección interior de la imagen tiene el tamaño que representaríamos como el segmento b tanto en lo ancho como en lo alto.

Evidentemente nadie toma una fotografía con un cálculo exacto de phi, pero la relación del segmento exterior es aproximadamente 1.6 veces el tamaño del segmento interior. Y para términos prácticos… simplemente es una noción aproximada “a buen ojo” de la imagen (de ahí que sea mucho menos usada esta relación que la regla de los tercios).

La primera impresión de una fotografía se determina por la composición balanceada de su imagen, y aunque no existen reglas definidas como tal, hay ciertos lineamientos que suelen ser aplicables y mejoran nuestra fotografía, aunque siempre existe la opción de romper todas las reglas y probar cosas distintas.

Regla de los tercios

Cuando se toma una cámara fotográfica el impulso es ubicar al sujeto justo en el centro de nuestra imagen, pero ésta en pocos casos es la mejor opción ya que se pierde la oportunidad de aprovechar los demás elementos de la imagen.

La regla de los tercios se basa en el hecho de que naturalmente la vista humana se ubica alrededor de los “dos tercios” del documento que tenga frente a sí.

Consiste en dividir mentalmente la imagen en tercios verticales y horizontales, después de lo cual se colocan los elementos clave de la imagen en dichas líneas o sus intersecciones.

Paisajes y la línea del horizonte.

En cuál tercio horizontal se ubique el horizonte depende de si se quiere realzar el cielo o el área debajo del mismo.

(Este principio también puede ser usado en retratos, al ubicar ojos o mentón del sujeto en las líneas o intersecciones)

Los elementos ubicados en diversas zonas de una imagen deben asimismo “balancearse” unos con otros, si únicamente colocamos al sujeto de la imagen en un tercio y el resto de la imagen es “vacía”, puede parecer descuido del fotógrafo… por lo que ubicar otro objeto como “contrapeso” es útil en muchos casos.

Se llama exposición correcta a la que hace llegar a la película la cantidad de luz idónea. Un negativo (o una imagen digital) que ha recibido demasiada luz se dice que está sobreexpuesto, y se dice que está subexpuesto si no ha recibido la luz suficiente para imprimir la imagen adecuadamente.

El salto entre un valor de f en el diafragma y el que le sigue, o bien de una velocidad y otra en el obturador se llama “paso”, y a una cantidad de luz dada en nuestro objeto a fotografíar, el modificar una de las dos variables por un paso puede compensarse haciendo lo inverso en la otra, a esto se le llama ley de reciprocidad.

Distintas combinaciones de abertura y velocidad producen la misma exposición, pero no la misma imagen (como se vio en los artículos sobre los efectos de la apertura del diafragma y velocidad).

Por ejemplo, para una escena dada estos podrían ser los valores de exposición equivalentes.

Reproducción de sujetos móviles	Velocidad de obturación	Abertura	Nitidez general (profundidad de campo)
Borrosos	1/8	f/22	Grande
	1/15	f/16
	1/30	f/11
	1/60	f/8
	1/125	f/5.6
	1/250	f/4
	1/500	f/2.8
	1/1000	f/2
Nítidos	1/2000	f/1.4	Pequeña

Dado que el tiempo durante el cual el obturador está abierto es el tiempo en el cual la luz penetra e “imprime” el negativo… si tenemos un sujeto a fotografiar con movimiento nulo o escaso, probablemente casi a cualquier velocidad de obturación que elijamos la imagen resultante será la de un objeto “quieto”, sin embargo si el sujeto está en movimiento, es posible que durante el tiempo que el obturador esté abierto el sujeto se ubique en más de una posición dentro de nuestro negativo provocándole una “sombra” o imagen “borrosa” (motion blur).

Por lo tanto, obtener una imagen “borrosa” (motion blur) nos indica que el sujeto se estaba moviendo a una velocidad alta y requería que la velocidad de obturación también fuera alta a fin de “congelarlo”. Por ejemplo, el aleteo de una paloma puede requerir velocidades de 1/500 a 1/1000 segundos, pero un colibrí en cambio requiere velocidades superiores.

Fotografías tomadas a 1/640″

Fotografías tomadas a 1/1000″

Fotografía tomada a 1/400″

Si nuestra intención es hacer obvia la sensación de movimiento, entonces se buscarán velocidades bajas.

Fotografía tomada a 1/10″

Fotografía tomada a 1/50″

Decíamos que la velocidad de obturación la regula el usuario.

Bien, mientras el obturador está cerrado, la luz no penetra al cuerpo de la cámara ni llega a la película; en cuanto se abre el obturador, la película (o el sensor en digitales) recibe luz, y deja de recibirla cuando se cierra de nuevo. La velocidad de obturación es el tiempo durante el cual permanece abierto el obturador y la luz llega a la película.

Las velocidades siguen una escala similar a la siguiente:

1, 2, 4, 8, 15, 30, 60, 125, 250, 500 …

Éstas son en realidad fracciones de segundo, una exposición de 30 en realidad indica que el obturador permanece abierto durante 1/30 de segundo.

De la misma manera que con el diafragma un número “grande” indica una exposición menor a la luz del negativo.

Las cámaras modernas tienen una escala también por encima del segundo normalmente ésta se identifica ya que incorporan el símbolo de ” posterior al número (1”, 1.5”, etc.).

Adicionalmente existe la función “bulbo” que hace que la cámara mantenga su obturador abierto hasta que se le indique lo contrario, esta opción es utilizada por ejemplo para fotografía astronómica.

Fotografía de la Sociedad Astronómica de Oaxaca -aclaro que para este tipo de fotografías el telescopio debe poder compensar el movimiento de la rotación de la Tierra-

Cuendo la apertura del diafragma es pequeña, obtenemos algo más cercano a “luz colimada”, es decir, los haces de luz que pasan a través de la apertura son relativamente paralelos entre sí, esto causa que obtengamos una imagen más nítida, o mayor “profundidad de campo”, es decir que la imagen que se obtiene de un lente con una apertura de diafragma reducida tendrá sus elementos nítidos a pesar de estar a distancias separadas unos de otros.

En la imagen inferior, la luz ha sido “colimada”

Este es otro ejemplo de colimación por medio de un objetivo (izquierda), aunque este es un telescopio.

Por el contrario, una apertura grande del diafragma no evita que los haces de luz diverjan (no se hacen paralelos) y por lo tanto la imagen obtenida es más limitada en cuanto a su distancia de enfoque “aceptable”*.

A la distancia que podemos percibir enfocada y nítida, le llamamos profundidad de campo (Depth of field).

Comparativa entre f/32 (izquierda) y f/5 (derecha)

La apertura del diafragma no es el único factor que modifica la profundidad de campo, pero este punto se retomará más adelante.

Apertura cerrada (arriba), apertura abierta (abajo)

*Una pequeña nota….  en realidad siendo estrictos (hablando de la óptica como tal), sólo existe un plano focal sin embargo… la profundidad de campo es la zona en la cual la nitidez de la imagen es “aceptablemente buena” para un observador estándar como para decir que sigue enfocado.

El diafragma (pueden ubicarlo en la cámara) es una estructura sólida con una apertura en el centro y que detiene el paso de la luz. El tamaño de la apertura regula la cantidad de luz que atraviesa el lente. Las cámaras “modernas” poseen un diafragma de iris, con diversas aperturas que se pueden regular.

La capacidad de permitir el paso de luz por el lente se llama “luminosidad” y una forma de expresarla es a través de los números f.

f = D / A

donde D es la Distancia focal del lente y A es la Abertura efectiva del diafragma, una abertura muy pequeña del diafragma da como resultado un valor f de magnitud mayor (que permite la entrada de poca luz) y viceversa.

Lo que hace a una cámara de constitución “reflex” es el hecho de que lo que vemos por el visor es exactamente lo que tendremos en la fotografía, mientras que en otro tipo de cámaras siempre existe un problema de paralelaje.

(Este error aumenta a menores distancias del objeto a fotografiar)

La construcción de la cámara reflex elimina dicho error gracias a su diseño:

1. Objetivo frontal
2. Portalentes
3. Diafragma
4. Obturador de plano focal
5. Película
6. Sujeción de correa
7. Disparador
8. Mando de velocidades
9. Cuentafotogramas
10. Cámara de visor trasero
11. Zapata del flash
12. Anillo de enfoque

La luz entra por el objetivo frontal, ésta es detenida por el diafragma que puede tener diversas aperturas.

Le sigue en el sistema óptico un espejo inclinado a 45º que dirige la imagen hacia el penta prisma. La imagen capturada y enfocada por el objetivo se encuentra volteada boca abajo y es el pentaprisma el encargado de hacer la rotación a fin de que podamos ver la imagen adecuadamente por el visor (sin error de paralelaje).

(Demostración en flash del funcionamiento del pentaprisma)

Cuando se acciona el obturador, el espejo se “retrae” y la cortinilla (4) se abre para que la luz llegue directamente a nuestra película (5), (o sensor CCD en el caso de cámaras digitales). El tiempo por el cual esta cortinilla se mantiene abierta se determina por el usuario (8).

La cantidad de luz se regula con el juego de apertura de diafragma (3) y velocidad de opturación (8).

El enfoque se controla (12) con un movimiento de los lentes del objetivo hacia el frente o hacia atrás (aunque la apertura del diafragma también influye como veremos en ese tema).

La zapata del flash (11),  (hot shoe)  es la parte de la cámara donde conectamos el flash externo para que sea accionado directamente por la cámara. Hablaremos más de esto en un tema futuro.

La historia de la fotografía en México (gracias al daguerrotipo) explicada por Miriam Estrada en la Segunda Reunión Anual Nacional de Mensa México, A.C.

El término “cámara” viene del latín camera obscura, que es la primer referencia al precursor de este invento, el cual funcionaba utilizando todo un cuarto como sistema de imágenes en tiempo real, antiguamente utilizada como ayuda para la realización de dibujos, hasta la aparición de los materiales fotosensibles.

Estas cámaras en principio como diafragma tenían sólo un orificio pequeño (pinhole camera), cuyo tamaño era “regulado” a fin de poder mediar entre un orificio muy pequeño que permitiera tener una imagen enfocada o un orificio suficientemente grande como para que pudiera permitir la entrada de suficiente luz y con esto reducir el tiempo de exposición necesario para imprimir el material fotosensible.

La primera fotografía fue obtenida por Joseph Nicephore en 1827[1], utilizando una placa metálica recubierta en un “betún” que luego fue expuesta a la luz. Las áreas más luminosas permitían que la luz de estas zones reaccionara con los químicos en la placa. Al colocar la placa en un solvente, una imagen fue visible gradualmente. Esta fotografía requirió 8 horas de exposición a la luz y poco después de aparecer la imagen, desapareció.

Se considera a Louis Daguerre como el inventor de la técnica moderna de fotografía. En 1829 trabajó en conjunto con Nicephore y después de la muerte de éste, en 1839 logró obtener el “Daguerrotipo” que fue el primer método conveniente de fotografía con un tiempo de exposición de alrededor de 30 minutos, utilizando una placa de cobre recubierta de plata, pulido y después recubierta de yodo. Después de la exposición, la placa era lavada en cloruro de plata. La imagen obtenida de esta manera ya no se desvanecía.

El calotipo fue inventado por Henry Fox Talbot, sensibilizando papel con una solución de plata, al exponer el papel a la luz este se oscurecía, de este “negativo”, Talbot consiguió impresiones de contacto (positivo), perfeccionado en 1841.

En 1851 Frederick Scoff Archer inventó el “negativo húmedo”. Usando una solución viscosa de colodión sobre cristal. El negativo obtenido era más estable y detallado que el de papel, con el inconveniente de que el revelado debía hacerse a la brevedad lo cual implicaba cargar un “cuarto oscuro” portátil.

En 1879 se inventó la placa seca con una emulsión de gelatina seca, permitiendo que le revelado pudiera hacerse tiempo después de la exposición con la ventaja adicional de que la absorción de luz era mucho más eficiente, disminuyendo los tiempos de exposición.

En 1889, George Eastman inventó un rollo con una base flexible e irrompible que podía ser enrollada. Esta base se recubría de una emulsión de nitrato de celulosa. Este fue el primer rollo fotográfico que pudo ser producido a gran escala.

Kodachrome es la marca de Eastman-Kodak del primer negativo a color, inventando en 1935, cuya producción masiva inició hasta 1940. El Kodachrome original era el equivalente a un ISO 6.

La óptica fue mejorada al sustituir la cámara de un lente por el lente “Tessar” de cuatro lentes (en tres grupos), inventando en 1902 por Paul Rudolph para Zeiss.

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[1] http://inventors.about.com/od/pstartinventions/a/stilphotography.htm